Michael Lønfeldt – Zeitgenössischer dänischer Künstler

Michael Lønfeldt ist ein dänischer Künstler, der durch jahrelange Hingabe und Experimentierfreude seinen eigenen künstlerischen Ausdruck geschaffen hat. Er ist Autodidakt – ohne formale Kunstausbildung oder Kurse – und hat sein Wissen allein durch Neugier, Ausdauer und unzählige Stunden im Atelier erworben.

Für ihn ist Kunst eine Leidenschaft und ein Handwerk zugleich – ein Prozess, in dem Technik, Material und Intuition zu einer Einheit verschmelzen. Über viele Jahre hinweg hat er seine Sensibilität für Farben, Strukturen und die Wirkung von Acrylfarben immer weiter verfeinert.

Seine Arbeitsweise ist experimentell, aber stets geprägt von großem Respekt vor dem handwerklichen Können. Schicht für Schicht entstehen Werke, in denen sich Balance, Energie und Ausdruck vereinen – bis das Bild seinen endgültigen Charakter gefunden hat.

Lønfeldts Kunst entspringt dem Wunsch, etwas zu erschaffen, das sowohl Harmonie als auch Kraft in sich trägt. Jedes Werk ist das Ergebnis vieler Stunden intensiver Arbeit – ein Zusammenspiel von Material, Emotion und künstlerischer Vision.

Michael Lønfeldt schafft farbenfrohe, abstrakte Kunstwerke, in denen Energie, Struktur und Stimmung zu einem lebendigen Ausdruck verschmelzen. Sein Hauptfokus liegt auf einzigartigen Originalgemälden, die durch kräftige Farben und organische Formen Bewegung und Ausgewogenheit vermitteln.

Michaels Ziel ist es, Kunst zu schaffen, die Emotionen weckt, Neugier inspiriert und zum Nachdenken anregt. Seine Werke sollen eine unmittelbare „Wow“-Wirkung erzeugen – Momente, in denen Farbe, Energie und Form den Betrachter auf einer tiefen, emotionalen Ebene berühren.

Jedes Kunstwerk ist mehr als nur ein Bild – es ist ein visueller Ankerpunkt, der einem Raum Charakter und Seele verleiht. Viele erleben, wie seine Kunstwerke zu einem natürlichen Mittelpunkt ihrer Umgebung werden, wo sich Atmosphäre und Ausdruck entfalten.

Michael ist ein moderner dänischer Künstler, der sich in einer farbintensiven, abstrakten Welt bewegt. Seine Werke zeichnen sich durch eine mutige Farbpalette, harmonische Kompositionen und feine Details aus. Schicht für Schicht entstehen Gemälde mit Tiefe, Struktur und einer spürbaren Lebendigkeit.

In seiner Kunst treffen Spontanität und Präzision aufeinander. Jede Linie, jede Struktur ist bewusst gesetzt, um ein ausgewogenes Gesamtbild zu schaffen. Das Ergebnis sind vielschichtige Kompositionen, die auf Distanz harmonisch wirken und aus der Nähe eine faszinierende Vielfalt an Details offenbaren.

Lønfeldts Kunst bewegt sich im Spannungsfeld zwischen dem Erkennbaren und dem Unvorhersehbaren. Farben und Formen entwickeln ihre eigene Realität und eröffnen neue Perspektiven auf das Sehen und Fühlen. Seine Werke beeindrucken nicht nur visuell, sondern berühren auch emotional – Kunst, die im Gedächtnis bleibt.

Die Signatur von Michael Lønfeldts Gemälden ist das einzigartige Zusammenspiel von intensiven Farben, starken Kontrasten und einer tiefen Energie, in der Harmonie und Chaos in Balance treten.

Jedes Werk entsteht durch viele Farbschichten, die Struktur, Tiefe und eine fast greifbare Oberfläche schaffen. Seine Farben mischt er selbst aus reinen Pigmenten – eine persönliche Methode, die jedem Werk seine unverwechselbare Farbwelt verleiht.

Hinter der visuellen Schönheit liegt ein kontrolliertes Chaos – eine Dynamik, in der zahllose Details ein komplexes Universum bilden. Aus der Ferne wirken die Gemälde harmonisch, aus der Nähe offenbaren sie Bewegung, Vielfalt und Leben.

Michaels Werke sprechen Menschen an, die Farbe lieben und die Lebendigkeit, die sie einem Raum verleiht. Seine Kunst richtet sich an all jene, die Freude daran haben, in einem Bild immer wieder neue Details und Emotionen zu entdecken.

Seine Kunst zieht Menschen an, die Wert auf Qualität, handwerkliches Können und ästhetische Tiefe legen. Oft wird ein Werk von Michael Lønfeldt zum Herzstück der Einrichtung – ein Blickfang, der Atmosphäre und Persönlichkeit schafft.

Michael arbeitet mit mehreren klar definierten Ansätzen, die zusammen sein künstlerisches Spektrum bilden. Jede Methode trägt zur Gesamtästhetik bei und erlaubt unterschiedliche grader af kontrol, spontanitet og tekstur.

Die klassische Technik: Jedes Gemälde wird in mehreren Farbschichten aufgebaut. Nach jedem Auftrag lässt Michael die Schicht vollständig trocknen, bevor die nächste hinzukommt. Durch das wiederholte Übereinanderlegen von Farben entsteht Tiefe, Struktur und eine taktile Oberfläche. Formen, Linien und feine Details werden schrittweise herausgearbeitet – ein langsamer, präziser Prozess, der komplexe und ausgewogene Kompositionen ermöglicht.

Bei dieser Methode entsteht das Bild in einem einzigen, zusammenhängenden Arbeitsprozess. Flüssige Acrylfarben werden gegossen, geschüttet oder geführt, sodass spontane Bewegungen und unvorhersehbare Effekte integraler Bestandteil des Werks werden. Die Technik verleiht den Bildern eine rohe, unmittelbare Ausdruckskraft und erfordert zugleich hohe Konzentration und Erfahrung, da Korrekturen nur schwer möglich sind.

Michael wählt kleine, besondere Ausschnitte seiner Originalgemälde aus und scaliert sie in hoher Auflösung auf. Die Motive sind in großen Formaten auch reproduzierbar, ohne die Energie und die Details der Originalwerke zu verlieren. Diese Methode verbindet die physische Qualität der Gemälde mit den Möglichkeiten der Details.

Michael Lønfeldt legt größten Wert darauf, ausschließlich Materialien von höchster Qualität in seinem künstlerischen Prozess zu verwenden. Jedes Element – von Leinwand und Farben bis hin zu Druckmaterialien und Rahmen – wird sorgfältig ausgewählt, um sowohl ästhetische Exzellenz als auch Langlebigkeit der Werke zu gewährleisten. Für Michael sind Materialien nicht nur Werkzeuge, sondern ein integraler Bestandteil des kreativen Prozesses. Wenn die besten Materialien auf starke künstlerische Vision treffen, entstehen Werke, deren Farben, Struktur und Intensität über viele Jahre erhalten bleiben.

Für seine Originalgemälde verwendet Michael solide italienische Leinwände höchster Qualität. Er arbeitet entweder auf 100 % Leinen (470 g/m²) oder auf einer Mischung aus 40 % Leinen und 60 % Baumwolle (420 g/m²). Leinen liefert eine kräftige, strukturierte Oberfläche, die Lebendigkeit und Charakter verleiht, während die Mischleinwand eine gleichmäßigere, glatte Textur bietet. Die Wahl hängt vom gewünschten Ausdruck ab – roh und taktil oder glatt und ausgewogen. Beide Varianten bieten Stärke, Elastizität und hervorragende Farbtiefe.

Michaels Werke entstehen mit Acrylfarben und Medien führender Hersteller. Er verwendet ausschließlich hochpigmentierte Farben mit intensiver Farbkraft. Jede Farbe und jedes Medium wurde sorgfältig ausgewählt, um die gewünschte Balance zwischen Deckkraft, Transparenz und Textur zu erreichen. Diese kompromisslose Materialwahl ermöglicht es ihm, lebendige, gesättigte Farben zu erzielen, die auch nach Jahren ihre Strahlkraft behalten.

Für seine Leinwanddrucke nutzt Michael zwei der renommiertesten Leinwände: Hahnemühle Cezanne Canvas und Breathing Color Lyve Canvas. Beide zeichnen sich durch hervorragende Farbwiedergabe, Detailschärfe und eine natürliche Oberflächenstruktur aus, die den Drucken ein authentisches Originalgemälde-Gefühl verleihen.

Für das Aufspannen der Leinwände verwendet Michael FSC-zertifiziertes europäisches Nadelholz, stabverleimt mit Fingerzinken für maximale Stabilität. Diese Konstruktion sorgt dafür, dass die Rahmen auch bei wechselnder Temperatur und Luftfeuchtigkeit stabil bleiben und die Werke langfristig ihre Form behalten.

Für Poster verwendet Michael ein langzeitbeständiges Papier mit 230 g/m² und matter Oberfläche. Die matte Struktur verhindert Reflexionen und sorgt dafür, dass Farben klar, satt und präzise wirken. Das Papier ist robust und langlebig, sodass Farbton und Detailgenauigkeit über viele Jahre erhalten bleiben.

Das Interesse an der Malerei entstand im Jahr 2005 als persönlicher Rückzugsraum und als Möglichkeit, in einem hektischen Alltag Ruhe zu finden. Die frühen Werke waren abstrakt und farbenreich, und ihr Ausdruck erregte schnell Aufmerksamkeit bei den Menschen, die die Gemälde sahen. Dies markierte den Beginn einer zunehmend fokussierten künstlerischen Praxis.

Bereits 2006 begann die Arbeit mit der Anfertigung von Reproduktionen. In dieser Phase entstanden Gemälde für den Weiterverkauf über Möbelhäuser und Einzelhandelsgeschäfte, vorwiegend für den dänischen Markt. Diese Zeit brachte eine hohe technische Routine sowie Erfahrung im Umgang mit Tempo, Farbgebung und Komposition, war jedoch geprägt von Wiederholungen und engen Zeitvorgaben.

Im Jahr 2012 wurde eine entscheidende Entscheidung getroffen. Die Arbeit mit Reproduktionen wurde beendet, und der Fokus verlagerte sich vollständig auf originale Gemälde. Dieser Wechsel markierte eine neue Phase, in der die Werke sich in ihrem eigenen Tempo entwickeln durften. Die Motive wurden persönlicher, der Prozess intensiver und die Qualität zu einem zentralen Maßstab. Ein Gemälde galt erst dann als vollendet, wenn Komposition, Balance und Ausdruck stimmig waren.

2014 folgte eine stärker experimentelle Arbeitsweise mit Pouring-Techniken und Action Painting. Dieser Ansatz brachte Bewegung, Spontaneität und Energie als tragende Elemente in die Werke. Die Gemälde entstanden in einem zusammenhängenden Prozess, in dem Zufall und Kontrolle miteinander wirkten und lebendige, dynamische Oberflächen formten.

In den darauffolgenden Jahren wurden die Techniken schrittweise weiterentwickelt. Im Jahr 2020 nahmen die Layer-on-Layer-Gemälde die Form an, die den heutigen Ausdruck prägt. Farben, Strukturen und Tiefe werden in zahlreichen Arbeitsphasen aufgebaut, wobei jede Schicht zum Gesamtbild beiträgt. Das Ergebnis sind Werke mit klarer Räumlichkeit, Ruhe und Komplexität, deren Details sich bei wiederholter Betrachtung immer wieder neu erschließen.

Diese Entwicklung hat zu einem geschlossenen künstlerischen Ausdruck geführt, in dem Erfahrung, handwerkliche Präzision und Neugier zusammenfinden – und in dem jedes Werk das Ergebnis eines bewussten und sorgfältig ausgearbeiteten Prozesses ist.